日本前衛藝術女王草間彌生——以“點”繪世界

摘 要:從肯定前衛藝術這一當代藝術的先鋒形式入手,介紹了日本前衛藝術女王草間彌生的藝術成長軌跡;通過研究草間彌生以“點”繪世界的作品藝術特征,指出草間彌生作品在形式上,側重以圓點為母題,不斷重復排列在畫面、雕塑和空間之中;在色彩上,彌生喜歡用純度極高的色彩配置進行同時對比,她靈動絢麗的色彩編織了一個草間彌生式的奇幻世界;在空間上,彌生常常會使用發光的燈泡圓點,結合鏡面反射去營造畫面中的空間層次感,使人難以區分真實空間和虛擬世界的差異。
關鍵詞:前衛藝術;草間彌生;圓點;鏡子;裝置藝術

一、背景

所謂前衛藝術是一種具有先鋒性和實驗性的藝術形態,是當代藝術的急先鋒,前衛藝術家用他們獨特的視角,向大眾展現了對新事物研究、探索甚至批判性的產物。前衛藝術從一開始,就是一種用新的藝術語言去取代傳統藝術語言的探索。[1]前衛藝術不拘泥于傳統的架上繪畫形式,藝術表現形式多元化,并綜合利用各種藝術媒介,往往顛覆傳統藝術的表現形式。前衛藝術家通過大膽的帶有嘲弄、譏諷甚至反叛的藝術作品反映現代社會生活,利用創新理念和藝術自主去表達藝術家對時弊和世界的看法。前衛藝術作為一種超前藝術,是用各種藝術手法表達多種藝術觀念,其藝術表現具有展現過去或者創造未來的張力,隨著時代的發展和時間的進步,前衛藝術還在不斷增添新的創作媒介和觀念。

上個世紀60年代以后,匯集在美國紐約的前衛藝術家們,用不同的表現形式對傳統藝術提出挑戰,他們試圖消解藝術與流行文化之間的界線,開啟了前衛藝術發展的新篇章。在紐約的這批年輕的前衛藝術家中,有一位來自日本的奇女子,她以圓點為創作母題,鏡子是她裝置藝術中最常使用的道具,她甚至以暴露自己的身體來實踐她的行為藝術,這就是后來聞名于世的日本當代著名前衛藝術家草間彌生。草間彌生的創作涉及前衛的行為藝術、裝置藝術、雕塑及繪畫藝術等多方面領域,是一位多產且多才多藝的藝術大師,她以獨特的圓點符號和燈泡鏡面裝置獲得了“圓點女王”、“前衛女王”的稱號,她是至今為止少有的能夠進入歐美藝壇核心的亞洲女藝術家之一。

二、草間彌生簡介

圖1 草間彌生

圖1 草間彌生

草間彌生(Yayoi Kusama,1929~)(圖1),1929年出生在日本長野縣松本市的一個富庶家庭,由于父母感情的破裂,使草間彌生自幼養成了異乎尋常的孤僻性格,而且還患上了一種視聽神經障礙癥,[2]這使得她感覺眼前的景象仿佛隔著一張滿是圓點的透明網罩。草間彌生在7歲左右開始出現大量的圓點幻覺,在她眼中的人和物都布滿了大小不一的圓點,而這些幻化的圓點卻伴隨了草間一生的創作生涯。草間彌生少年時代在日本長野縣松本女子學校就讀,完成學業后又到京都市立美術工蕓學校(現在的京都市立銅駝美術工蕓高等學校)繼續學習,期間她主修日本畫。

草間的人生轉折出現在1955年(26歲)她與美國女畫家喬治亞?歐姬芙(Georgia Totto O’Keeffe,1887~1986)通信之后,她寄出自己的水彩畫作品給這位女畫家,懇請她給予指導。1957年(28歲),草間彌生帶著她創作的作品獨自來到美國闖蕩。1959年(29歲)也就是草間彌生抵達紐約一年半之后,她帶著5件作品參加了與安迪?沃霍爾(Andy Warhol,1928~1987)、賈斯培?瓊斯(Jasper Johns,1930~)等年輕藝術家在第十街布拉塔美術館(The Tenth Street Studio Building)的一次聯展,從此以后,草間彌生的圓點藝術作品開始被紐約的評論家所關注。1966年(37歲),草間彌生用燈泡和鏡子創作出作品《無限的愛》(Love Forever),這個以反戰為主題的作品讓她在紐約藝術界一舉成名。在紐約期間,草間彌生不僅在藝術上取得了不凡的成績,她還積極參加反戰活動,期間她邂逅了美國著名當代藝術家約瑟夫?康奈爾(Joseph Cornell,1903~1972),兩人相依生活直至1972年(43歲)康奈爾離世。1973年(44歲),經受不住痛失愛侶打擊的草間彌生遠離了紐約藝術家、評論家和公眾的視野,回到了日本。1977年(48歲),草間彌生自愿住進了新宿精神病療養院,之后她的作品開始逐漸回到繪畫和雕塑上來,布滿圓點的南瓜系列作品是她這一時期最具特色的代表作品。1993年(64歲),草間彌生代表日本參加威尼斯雙年展,日本政府為向這位“前衛女王”表示敬意,為她設立了個人主題館,這奠定了草間彌生在日本國內以及國際藝術界的地位。現今,已經85歲高齡的草間彌生依舊在進行著藝術創作,她在新宿精神病療養院居住的三十多年間,不僅創作了數千件繪畫及雕塑作品,還發表了十多部小說和詩集,是一位當之無愧的、仍然在世的日本藝術大師。

三、草間彌生藝術作品分析

草間彌生在不同時期的作品形式是豐富而多樣的,很難用一個藝術流派來界定,但可以肯定的是她的藝術作品大多以前衛著稱,這些前衛作品的共性在于幾乎又都是通過一些簡單的元素來進行創作的(如圓點、燈泡、鏡子等元素是其創作中多次重復出現的母體或現成品),重復出現的圓點排列、大膽新奇的色彩搭配以及虛實結合的空間展現是其作品的主要特征。

1、形式——圓點的重復排列

康定斯基在《論點線面》一書中有這樣的闡述,“點在繪畫中本身就是最簡潔的形,點的重復成了強化內在聲音的有力手段。”[3]觀察草間彌生的藝術作品,其中充滿著各式各樣的圓點,幾十年來一直如此,而這些重復出現的圓點又極具規律性地排布在作品中,留給人們深刻的印象。圓點似乎成了草間的個人標志,在草間彌生的所有作品中,我們可以很明顯地感受到她對圓點的偏愛。如圖2所示是草間畫于1988年的名為《夕陽》的作品,這幅畫的畫面充實著形狀、大小不一如同細胞組織一般的圓點,鮮紅的色彩又像涌動的血液,象征著旺盛的生命力,這就是草間精神世界里的夕陽景色。草間彌生把夕陽西下的景象用圓點解讀出其內在的生命力,通過在圓點之間刻意制造一種連續不斷的重復,來營造一種無限擴張的空間感。正是這種簡單到純粹的圓點符號,給觀者帶來獨特視覺感受的同時也指引著觀者走進草間彌生的精神世界。草間彌生還喜歡以圓點為母題為自己設計時裝,她每次接受記者采訪之前總要精心的打扮一番,而且草間彌生這種前衛新潮的形象站在其作品之前與之相得益彰,草間那神采奕奕的明眸更是所有圓點中最靈動的部分。

圖2《夕陽》(1988)

圖2《夕陽》(1988)

草間彌生還把她的圓點運用在雕塑藝術中,在她最具代表性的圓點南瓜系列作品(如圖3)中,排列有序的黑色圓點妝點在南瓜棱突起的輪廓上,每個南瓜棱的中間部分是由一條大點串成的,大點兩邊漸變排列著逐漸縮小的串串小點,給觀者帶來獨特的視覺體驗。又如草間彌生2009年創作的《維納斯——被無限網所抹殺的維納斯雕像》,她在背景畫布上描繪幻想中的圓點圖案,然后把它延展至立體雕塑維納斯女神上,她將現成品維納斯雕塑布滿與其背景顏色相同、圓點大小一致的網紋圖案,使得維納斯雕塑被同化在其背景之中,并十分自然地與背景網紋緊密地融為一體。我們可以看到,重復排列的圓點是草間彌生前衛藝術的代表性符號,在以現成品維納斯為主的《無限網》雕塑系列中,其《維納斯——被無限網所抹殺的維納斯雕像》(如圖4)在2011年(82歲)香港拍賣會上刷新了草間彌生世界拍賣雕塑作品的新記錄,說明了世人對其藝術作品價值的高度認可。

圖3《南瓜》(2007)

圖3《南瓜》(2007)

圖4《維納斯——被無限網所抹殺的維納斯雕像》(2009)

圖4《維納斯——被無限網所抹殺的維納斯雕像》(2009)

2、色彩——色相的強烈對比

色彩是造型藝術的基本要素之一,而且更是一切視覺元素中最活躍、最具沖擊力的因素。[4]草間彌生的作品總是以絢麗繽紛且對比鮮明的色彩來吸引觀者的眼球。如1954年的繪畫作品《花(D.S.P.S)》(如圖5),這幅畫主要由紅、黃、藍、黑四種顏色所構成,草間用大面積的黃繪制瓶身,少許紅花點綴在其中,在由植物枝葉形狀拼接的藍墨色背景上更顯得十分搶眼,使它們在紅、黃、藍三原色對比作用下又形成了鮮明的色彩同時對比。2002年,草間彌生在日本長野縣松本市美術館展出的作品《夢幻的花》(如圖6),其中的花卉給人張牙舞爪的感受,并施以高純度的艷麗色彩,用其一貫的圓點母題進行大小、疏密的排列妝點,使整個用加固玻璃纖維以及混凝土建成的巨型花束顯得更加妖嬈美麗。

圖5《花(D.S.P.S)》(1954)

圖5《花(D.S.P.S)》(1954)

圖6《夢幻的花》(2002)

圖6《夢幻的花》(2002)

到了晚年的草間彌生,回到一種純粹的創作境界,她依然保留著色彩同時對比的創作手法,熱衷使用高純度的紅色或黃色進行大面積鋪色,她形容自己是一個“強迫神經癥藝術家[5]。如在2013年草間創作的《在深夜聚會》(如圖7),是這一階段十分具有代表性的作品。這幅作品的整個畫面用大面積的黃色作為背景,些許紅色裝飾其中,以對比色藍色、綠色點綴其間,整個作品疏密有致,充滿了童趣的雅稚。草間彌生在接受《外灘畫報》的采訪時,當記者提及為何晚年作品改變了以前的叛逆風格,在形式上變得更加漂亮時,草間回答道:“希望自己的藝術能給大家帶來幸福”。[6]草間彌生用她靈動絢麗的色彩編織了一個草間彌生式的奇幻世界,強烈的色彩對比闡述著她對其前衛藝術的理解,是她對生命的贊歌和膜拜。

圖7《在深夜聚會》(2013)

圖7《在深夜聚會》(2013)

3、空間——環境的虛實融合

草間彌生的作品除了多采用圓點的重復排列形式,以及鮮艷奪目、純度極高的色彩以外,還有一個明顯的特征就是對作品獨具匠心的鏡面式空間處理,給觀者一種真實與虛幻交融的體驗。草間彌生常常會使用發光的圓點,結合鏡面反射去營造畫面中的空間層次感。鏡子是其裝置藝術的常用品,由于鏡子的引入使人難以區分真實空間和虛擬世界的差異。草間彌生曾經說過:使用鏡子來延展空間,是為了能夠提供觀者另一種觀看方式。[7]

圖8《無限的愛》(1966)

圖8《無限的愛》(1966)

圖9《消逝的冬季》(2005)

圖9《消逝的冬季》(2005)

草間1966年的作品《無限的愛》(如圖8),是她最具有代表性的裝置藝術作品,也是她在紐約的成名作。整個裝置使用大量圓形燈泡和大面鏡子,帶有閃爍的燈泡光點被鏡面無限反射延伸后,最后投到觀者眼中的景象,形成了目炫而又神迷的感官效果,挑戰人們的視覺體驗。在后來很長的一段時間里,草間一直保持著類似的創作風格。如在2005年草間彌生創作的作品《消逝的冬季》(如圖9),整個裝置藝術作品布置在盒裝的空間里,四周布滿了大面鏡,方盒中懸掛著高低不一的彩色圓形鏡子,這些鏡子經過鏡面反射實現了圓點數量上的積數疊加,讓這些通過鏡面反射的圓點在整個裝置空間中又達到一種無線延伸的狀態,其投射的影像給人支離破碎的感覺,使人仿佛進入到了一個視覺和幻覺交融的盜夢空間。

圖10《無限鏡屋——滿載生命光輝》(2011)

圖10《無限鏡屋——滿載生命光輝》(2011)

又如2011年的草間彌生世界巡回展期間,在馬德里國立博物館展覽的《無限鏡屋——滿載生命輝煌》裝置藝術作品中(如圖10),整個空間中依舊鑲滿了鏡子、懸掛著許多不同色彩的LED高亮度燈泡,草間用時明時暗的燈光設計和心跳般的閃耀節奏,營造出唯美夢幻的場景。通過大面積鏡面的反射,無限延伸的三維空間中充滿了色彩絢麗的光暈和懸浮著的閃光點,觀者會感覺自己身處在一個璀璨的星空下。草間彌生在上述《無限鏡屋》中制造出的虛幻空間消除了主體與客體的界限,讓觀者共同相聚在一個星光熠熠、浩瀚無邊的空間中,與整個裝置巧妙的融為一體,并成為其中不可或缺的一部分。

四、結語

草間彌生作為日本藝術界前衛藝術的領軍人物,以其重復排列的圓點符號、艷麗色彩的同時對比、虛實結合的空間處理,向世人展現了她的藝術世界。草間一生創作出了無數優秀作品,每件作品都令人驚艷、刺激眼球。草間以非凡的藝術創造力和感染力,使她的藝術跨越了繪畫、雕塑、裝置、行為、文學、電影及時尚等領域,她與路易威登(Louis Vuitton,即LV)等時尚大牌的合作,更是把她的藝術成果展現得淋漓盡致。

草間彌生作品在形式上,側重以圓點為母題,不斷重復排列在畫面、雕塑和空間之中;在色彩上,草間喜歡用純度極高的色彩配置進行同時對比,增強了作品的視覺沖擊力,她靈動絢麗的色彩編織了一個草間彌生式的奇幻世界;在空間上,草間常常會使用發光的圓點,結合鏡面反射去營造畫面中的空間層次感,使人難以區分真實空間和虛擬世界的差異。她將圓點的特質深深地植入自己的藝術創作中,詮釋著自己獨特的設計理念,她的圓點藝術既是她內心的真實寫照,也是其視覺世界的物化表現。總之,草間彌生的圓點藝術,“點”繪著她眼中的世界,她把自己最原始的意識和想法全部用于藝術創作之中,草間不愧是日本當下最了不起的藝術大師和超級藝術天后。

參考文獻
[1]王南溟.哈貝馬斯的霧中看花:前衛藝術、后前衛藝術與更前衛藝術[J].美術觀察,2005(11):106.
[2]簡翦翦.草間彌生——怪婆的圓點屠戮[J].新青年(珍情) ,2013(5):20.
[3][俄]康定斯基、羅世平譯.康定斯基論點線面[M].北京:中國人民大學出版社,2003:11.
[4]吳衛.色彩構成(圖說本)[M].北京:北京理工大學出版社,2006:4.
[5]無限的網草間彌生自傳[J].明日風尚,2011(6):167.
[6]李靜,龔亭宇.草間彌生專訪[J].外灘畫報.上海:外灘畫報社,2009(8):2.
[7]巴西亞?希利溫思卡,雷坤寧.無限增殖中的社會變革——草間彌生的“鏡屋”[J].世界美術,2013(1):33.

圖片來源
文章中所有圖片均來源于草間彌生官方網站
http://www.yayoi-kusama.jp/

作者簡介
1、吳衛(1967~),男,湖南常德人,湖南工業大學包裝設計藝術學院教授、碩士生導師,清華大學美術學院設計學博士,曾于1988~1990年留學日本千葉大學デザイン學科。曾任湖南工業大學包裝設計藝術學院院長,現為湖南工業大學研究生處處長、湖南省包裝設計藝術研究基地首席專家、中國機械工程學會工業設計分會委員、中國包裝聯合會包裝教育委員會副秘書長、湖南省工業設計協會副會長。現主要從事傳統藝術符號和高校藝術教育理論研究。通訊地址:湖南省株洲市天元區泰山路88號湖南工業大學研究生處,412007。
2、喬松(1992~),女,河南新鄉人,2013年畢業于湖南工業大學,現為湖南工業大學包裝設計藝術學院13級研究生,主修視覺傳達設計。通訊地址:湖南省株洲市湖南工業大學河西校區學生宿舍22棟619室,412007。TEL:15273305693。